"la belleza es la armonía entre la finalidad (función) y la forma"

1. Justifíquese un objeto diseñado por Aalto como de su autoría. ¿Por qué es de Aalto?

JARRON SAVOY

Alvar Aalto se caracteriza por intentar integrar sus objetos y construcciones en la naturaleza. En el caso del jarrón Savoy, utilizó un lago finlandés para inspirarse, de ahí la forma de la planta tal característica. La primera vez que se mostró en la Exposición Internacional de Paris en 1937 causó un gran revuelo por la simplicidad de sus formas que conseguían una belleza que lo ha convertido en un icono del diseño. En él Aalto consigue su meta de belleza, consiguiendo que el objeto cumpla su función a la perfección y que su forma sea estéticamente correcta. La fábrica de cristal era uno de los puntos fuertes de su país, por lo que Aalto quería mostrar al mundo de lo que eran capaces de hacer.

2. Identifíquese como parte de una obra de mayor escala. ¿Por qué tiene o cobra sentido dentro de esta obra?

PABELLÓN DE FINLANDIA, 1937

Con este trabajo, Aalto pone de manifiesto su fuerte tendencia hacia las líneas curvas. Es en esta misma época cuando diseña el jarrón Savoy, que se caracteriza por una gran similitud con esta construcción. En el caso del pabellón, utilizó para inspirarse la aurora boreal creando una sensación impactante al visitante que entraba en la sala. Fue considerado el mejor de todo el evento por sus formas escultóricas, dinámicas innovadoras y sorprendentes. Es un proyecto fuertemente ligado al paisaje y la cultura finlandesa.


3. ¿Podría explicarse la una sin la otra o, son inseparables en la obra de Aalto?

A pesar de que Alvar Aalto diseñaba sus objetos para las estancias concretas de sus edificios, también los diseñaba de forma que pudieran ser estandarizados y fabricados en serie, por lo tanto pretendía que llegasen a más personas. De este modo, los objetos no siempre iban a estar colocados en las estancias que él creaba así que si funcionarían fuera del contexto donde él las colocaba. Por el contrario, las estancias no podrían explicarse sin los objetos, ya que estos eran creados específicamente para ellas, para la función a la que se iban a dedicar.

4. Posiciónese cada grupo en cuanto a la necesidad, o no, de controlar la utilización concreta en contextos concretos de los objetos de mobiliario de diseño industrial.

La filosofía de nuestro grupo se basa en que un objeto debe estar integrado en una estancia sin desentonar. Debe ser parte de ella y ayudar en el desarrollo de la función que va a realizarse en esa estancia. El diseño de los objetos que formen parte de ella debe estar relacionado con las actividades a las que se destine. Por ejemplo, no tendría sentido situar un mueble del siglo XV en una habitación modernista. Para ello el diseño de los objetos debe estar acorde con el diseño de la estancia.

5. Bien con una fotografía real, bien a través de un fotomontaje, exprésese gráficamente y justifíquese en texto algún ejemplo de desajuste en la utilización de un diseño en un contexto concreto.


Escogemos esta fotografía del paseo marítimo de A Coruña ya que nos parece que muestra un desajuste completo. La utilización de estas farolas no concuerda con el entorno en que se situan. No se ha intentado relacionar el color de las mismas con el entorno ni con la naturaleza de su alrededor. Desde el punto de vista de Alvar Aalto se intentaría utilizar este paseo como nexo de unión entre el mar y la ciudad, integrándolo en el paisaje.

Práctica Walter Gropius y la Bauhaus

Éste texto del arquitecto alemán Walter Gropius expresa los ideales en los que se basa la pionera escuela de diseño industrial Bauhaus (que significa casa de construcción en alemán) fundada por él en 1919 en la ciudad alemana de Weimar.

En el manifiesto se explicitan las ideas que alentaban y pretendían el retorno a la unidad perdida entre artesanía y arte, apuntando tanto a los aspectos más teóricos como a las implicancias sociales de esta vinculación. El camino utópico a transitar era el de volver a lograr la unidad de las bellas artes. Se veía como origen de muchos errores y desvíos la separación entre Pintura, Escultura y Arquitectura, posterior al Renacimiento y que sin embargo en la Edad Media formaban una unidad. Se convocaba a unir esfuerzos en busca de la Construcción de la Obra de Arte Total la cual se expresa en la obra de arquitectura.

Sus principios eran la ruptura con lo tradicional y los estilos preestablecidos, predominio de la función sobre la forma, interrelación estrecha entre, por un lado, la arquitectura y el diseño y, por otro, las ciencias aplicadas, adecuación de la vivienda a los recursos y necesidades humanas y una efectiva panificación urbana.

La teoría de la Bauhaus sobre la enseñanza del diseño incluía un artista y un técnico en cada estudio de clase. De esta manera, los alumnos usaban su creatividad de forma libre y, simultáneamente aprendían la técnica. Los alumnos practicaban en los talleres por periodos cortos, con el fin de que entendieran la tecnología para la que posteriormente diseñarían.

Los productos resultantes de la Bauhaus se alejaban mucho de la clásica ornamentación excesiva predominante en aquel momento. Por el contrario, poseían líneas limpias y claras, formas geométricas sencillas y, de manera característica, daban la impresión de estar hechas industrialmente y no a mano.

Se trataba de crear productos que fueran funcionales pero que a la vez presentaran un diseño atractivo para el mercado, manteniendo bajos los costos de producción.

Mies suprimió la producción y decidió que los talleres solo realizarían modelos para la industria, con lo que la Bauhaus dejó de ser productora y dejó de admitir contratos. De esta manera se disolvían las tensiones y se cubrían las exigencias de los artesanos de la ciudad quienes veían en la Bauhaus la competencia. Claro que; esta medida impedía que los estudiantes tuvieran los ingresos para financiar sus estudios con el trabajo realizado dentro de la escuela. Estas medidas que eran vistas como socialmente duras por los estudiantes se vieron aún más fuertes con el aumento de las cuotas escolares y las bajas en las subvenciones que la ciudad aportaba a la Escuela y que se redujeron cada vez más. Estas imposiciones de ahorro venían por motivaciones políticas ( partido nacionalsocialista). Para lograr una cierta independencia económica se estableció un nuevo recurso para no depender solo de las cuotas de los estudiantes y de la subvención de la ciudad; éste sería la creación de licencias de los productos de la Bauhaus.


SILLA WASSILY de Marcel Breuer



Marcel Breuer era un estudiante de la escuela Bauhaus en la Alemania de 1925 cuando diseñó la primera silla de tubo de acero de la historia. La llamó Wassily en homenaje a su amigo Kandinsky y realizó el primer prototipo con el tubo de una bicicleta. El tubo del cuerpo de la silla está cromado con acabado brillante y el asiento y respaldo de la misma son de piel en color negro. Wassily es un sillón extremadamente confortable a pesar de su aspecto industrial y con él, Breuer, como la mayoría de sus contemporáneos, intentaba casar la producción industrial y seriada con el compromiso estético de su época. El sillón Wassily se ha producido sin interrupción desde aquel momento convirtiéndose en una de las piezas más vendidas de la historia del diseño.


Bibliografía y webs:

http://personal.telefonica.terra.es/web/signosmaster/bauhaus.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Walter_Gropius
http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Marcel_Lajos_Breuer
http://blog.darioalvarez.net/tag/diseno/page/2/
Bauhaus, Editorial Taschen

Frank Gehry- idea de belleza

Frank Gehry es un conocido arquitecto estadounidense famoso por lo controvertido de sus edificios, en los que incluye materiales y formas totalmente radicales.

Dentro de los buenos arquitectos podemos distinguir dos grupos: los que disponen de un discurso teórico en el que se apoyan en gran parte de su producción y que es fácilmente transmisible y los que si bien no disponen de tal discurso, apenas lo utilizan y/o resulta complicado de transmitir, perteneciendo Frank Gehry a éste último, dado la subjetividad de su proceso de proyectación, que se traduce en una gran dificultad para definir su “método”.
Sus métodos proyectuales y procesos de trabajo son muy personales, opta por la destrucción de la caja paralepipédica, transgrede el canon de la ortogonalidad, fragmenta y deconstruye, busca la originalidad.

Una de sus estéticas preferidas es de "edificio en construcción", su trabajo frecuentemente sugiere "asuntos sin terminar" o la crítica incompletitud de toda la existencia humana. También, paradójicamente, sugieren decadencia contenida en un mundo que está continuamente muriendo y naciendo.

Evita “las cosas bonitas” porque a su modo de ver no son reales, su excesiva perfección no se enfrenta a la realidad y él pretende plasmar su forma de ver la realidad en sus obras.

Entiende que la arquitectura debe resolver problemas complejos, que tenemos que entender y usar la tecnología, crear edificios seguros y funcionales y que respeten su contexto y sus vecinos.
En sus edificios podemos ver claramente su marca, siendo ésta la fuerte presencia de formas curvas poco habituales en la arquitectura común y el uso de materiales igualmente innovadores. Es considerado como un arquitecto con una fuerte conciencia artística, ya que su primera idea de un nuevo edificio parece más un dibujo artístico con un fin contemplativo, que el primer paso en un proyecto arquitectónico.

Abunda en su historial de edificaciones las que presentan un exterior constituido por planchas de metal brillante, que en ocasiones presentan un cromatismo variado y cautivador, combinadas con grandes superficies de vidrio, todo ello siguiendo una disposición irregular y muy llamativa.En comparación con el mueble fabricado en cartón diseñado por Gehry, éste a pesar de estar fabricado en el mismo material, dispone de una funcionalidad muy superior dado que puede usarse en diversas posiciones y es sencillo de transportar y guardar.